miércoles, 29 de febrero de 2012

Primavera


La Primavera



La Primavera de Botticelli pertenece al Renacimiento, fue creada entre 1477 y 1478. El autor es Sandro Botticelli (1444-1510), un pintor cuya concepción de la pintura es más poética que científica o matemática. El hombre se siente centro del universo (antropocentrismo), y esto tendrá una evidente plasmación en el arte, tanto en la arquitectura como en la escultura y la pintura, donde el naturalismo y el realismo se irán imponiendo con más fuerza.

Se trata de una obra que usa la técnica del temple (mezcla de pigmentos mediante huevos) sobre la tabla. Se representa a la izquierda del todo a Mercurio, junto a él (a la derecha) las Tres Gracias bailando. Éstas unen las manos alzadas formando un circulo como símbolo de lo divino. A la derecha de éstas, en el centro del cuadro, encontramos a Venus, quien representa la máxima belleza de la mujer vestida. A la derecha del todo vemos a Céfiro que esta junto a una ninfa. En la parte superior encontramos un amorcillo, Cupido, quien reparte amor ciegamente.
Es una obra que destaca su gran realismo en las figuras por el estudio de la anatomía. Aquí se puede observar una especie de triángulo que termina Cupido, bajando hacia Mercurio y Céfiro, uniéndose entre las demás figuras.
El espacio donde están representados estos personajes es un espacio natural, lleno de naranjos. Es una obra en la que predomina la luz sobre todos los cuerpos de los personajes y en los claros del bosque.

Es una obra que representa un tema mitológico. Se representa también el ascenso al cielo a través de la luz. Venus es el símbolo de la pureza mientras que Mercurio pide la luz.

Gioconda


La Gioconda



La Gioconda o Mona Lisa es una pintura de Leonardo Da Vinci. Fue creada entre 1503-1505, en la época del Renacimiento (Cinquecento). Se encuentra en el museo del Louvre, París. La Gioconda simboliza la calma y la serenidad. Es naturalista pero también mostró el alma de la mujer que tenia en frente.

Este retrato muestra la belleza de una mujer de su época. Se observa una mirada especial y una misteriosa sonrisa, Leonardo consiguió este efecto con la técnica del esfumato. Utiliza esta técnica para dar la sensación de vida, así comparadas con las obras del Quattrocento, éstas parecerían estatuas. Da Vinci difumina las comisuras de los labios y los ojos y ahí deja la imaginación del observador. También usa el esfumato en su rostro ya que sobre él cae un velo que simboliza serenidad. En este retrato se observa el gran interés de Leonardo por el dibujo, si nos fijamos en el bordado del vestido de la mujer, muy complejo, bien detallado. La figura de ella muestra un triangulo casi regular.
Vemos que la mujer está sentada, relajada , en un marco de una ventana, por la cual podemos observar un paisaje fantástico tras ella. El horizonte no se muestra equilibrado como se hacia anteriormente. Vemos la técnica de la perspectiva aérea ya que se va difuminando el camino que comienza a la izquierda del cuadro y a medida que se aleja, se difumina y pierde el detalle. Por este paisaje irreal se encuentra un lago y tras él, montañas.


En esta obra los paisajes reflejan la vida fácil, a través de ese camino, se refresca con agua divinizada del río. Hay que llegar tras ascender la montaña, que es el camino duro, y así llegar a Dios. Leonardo rompe con la idea de frontalidad, hay un contrapposto donde nos mira, pero su cuerpo está girado. Este hecho da vida a la mujer. El claroscuro crea un contraste que da vida.

Gattamelata y Colleoni


Comparación entre:
Gattamelata y Colleoni


Gattamelata(1453) es la primera obra ecuestre que se hace en la Edad Moderna, que no se hacía desde la época romana. Caballo y caballero avanzan serenos, sin perder las buenas maneras, pero con la autoridad de da ser el vencedor. Esta escultura intenta reflejar la inteligencia con la que el ejército actúa ante sus adversarios. Se trata de un proyecto que se necesita un punto local para entender la obra, no hace falta rodearla para entenderla. Es una escultura que muestra serenidad, naturalismo, relajación. Marca detalladamente la musculatura del caballo, la suavidad. 

 

Por otro lado, tenemos la escultura Colleoni (1479) es un retrato ecuestre del condottiere Bartolomeo Colleoni, frente a la serenidad del Gattamelata, Verrochio resalta el dinamismo: caballo y jinete mueven la cabeza en dirección opuesta y expresan tensión y vitalidad en sus cuerpos. Esta obra representa la energía, el poderío. En este proyecto, a diferencia de Gattamelata, se necesita movimiento ante la escultura para llegar a entender cada detalle. Observamos que es un retrato donde se intensifica la fuerza del caballo con las armaduras que posee sobre él, se representa muy robusto, firme. El caballero, también muestra la misma actitud, una psicología se halla en él, de dureza, valiente. Tiene una postura que demuestra su valor a los adversarios.


David de Miguel Ángel


DAVID DE MIGUEL ÁNGEL

La escultura del 'David' de Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) fue creada entre 1501-1504 , época del Renacimiento italiano (Cinquecento). Tiene una altura de 4,10m y se encuentra en la galería de la Academia, Florencia. Construyó esta obra después de haber concluido la Piedad del Vaticano.

Se trata de una estatua monumental, sacando la belleza de una piedra de mármol. Representa a un rey bíblico al estilo clásico desnudo y como atleta, que porta en su mano izquierda una honda y, en la derecha, una piedra. Se aprecia una gran minuciosidad en los detalles de la personalidad.
Miguel Ángel se basó en el ''David'' de Donatello para hacer su propia obra. Podemos observar cómo hay un movimiento contenido, que se convierte en una tensión corporal. Además, para no confundir esta tensión, el autor crea un contrapposto y aumenta las partes de ciertas zonas del cuerpo. Se observa la mano que sostiene la piedra (la derecha) que está muy desarrollada, desequilibrada, haciendo referencia a su hábito de hondero (característica del manierismo). Todo ello conduce al concepto de terribilitá que caracteriza otras obras del autor.
Simbolismo.
El David de Miguel Ángel representa pues, la fuerza que se opone a la imagen dulce del David que Donatello construyó. Éste no está presentado con una espada en la mano de la victoria ni la cabeza de Goliat a sus pies, no es triunfante, sino que es el símbolo de las virtudes cívicas principales del Renacimiento que mostraba un desnudo integral, al gusto de la antigüedad clásica. Aunque se aleja de este espíritu por el desequilibrio y el movimiento.
Estos rasgos hacen que la figura escultórica del rey David tenga un símbolo de la libertad, y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina. 

La Piedad


La Piedad del Vaticano



Esta obra de Miguel Ángel (1475-1564) fue creada entre 1498-1499, época del Renacimiento (Cinquecento). Es una escultura tallada en mármol, una escultura exenta, de 1,74m de altura y 1,95m de largo. Se encuentra en la iglesia de Santa Petronella, Roma. Se representa aquí a la Virgen María que, aguanta en sus brazos a su hijo, ya mayor, muerto.

Observamos que se representa a la Virgen muy joven, con la cabeza inclinada sin mirar a su hijo Cristo. Este gesto simboliza el silencio, se demuestra aquí la personificación de los sujetos. El autor consigue una unidad indisoluble. El cristo muerto, a punto de caer de las piernas de la madre. Se crea una forma triangular casi regular. Ambos rostros están muy personificados, expresivos, que demuestran el sufrimiento.
Esta obra es una gran combinación del clasicismo en las formas. La escultura se caracteriza por la gran diferencia de juventud entre madre e hijo, donde el hijo es representado mucho mayor que ella. En esta obra se revela un estilo equilibrado y sensible. Podemos ver como hay tensión en el cuerpo de Cristo, al alzar la pierna izquierda . Éste fue un proyecto que superó todos los anteriores, incluyendo el clásico de Laocoonte.

La Piedad es una escultura que representa un sueño de la Virgen, quien sueña estar sentada y tener en sus brazos a su hijo. Este sueño le muestra a ella el final de la vida de Cristo, le enseña cómo acabará, crucificado. Este hecho nos hace ver que la Virgen es capaz de ver todo lo que pasará, que es consciente de ello. Nos muestra el gran sufrimiento de la madre ante el final de la vida de su hijo.

martes, 21 de febrero de 2012

David de Donatello


David de Donatello




El David de Donatello es una de las esculturas más importantes del Renacimiento, del Quattrocento. El autor trata de volver a hacer un desnudo tridimensional de medida natural. Es una exaltación de la belleza adolescente. Es una obra que ha de ser vista desde todas las prespectivas ya que está liberado del marco arquitectónico.

Escultura frontal. Obra representa claramente el contrapuesto, el ideal de Praxíteles, la pierna derecha firme sobre la tierra mientras que la izquierda descansa sobre la cabeza de Goliat, el gigante.
Es una escultura de bronce, cuidando cada detalle de la figura, como el brillo de ésta. Se observa del detalle del cuerpo, el volumen de él. Conserva un realismo humano idealizado ya que se caracteriza como un adolescente pero perfecciona aquellos detalles diminutos para conseguir la belleza de éste.
Se persigue el detallismo sobre el cuerpo del adolescente y, como vemos, la escultura se ciñe a las curvas del sujeto con mucha naturalidad, al igual que el movimiento que ofrece de los brazos, uno sobre la cintura y el otro cogiendo una espada, son naturales y realistas.

Donatello construye una escultura ensimismada, que contiene erotismo contenido, es un espíritu victorioso. Se observa una figura con personalidad, donde se observa la psicología del sujeto.
Se trata de un adolescente que vence a un gigante (Goliat) con la inteligencia y el valor, representado con el adolescente de actitud victoriosa sobre la cabeza de Goliat.
El David es el símbolo de Florencia, el ideal de hombre desnudo. Es la creación máxima de belleza, de la naturaleza.



viernes, 17 de febrero de 2012

manierismo


El término “manierismo” proviene de la palabra italiana “maniera”, y se utilizó en un principio para hacer referencia a los pintores que pintaban “a la manera” de Rafael, Miguel Ángel, etc. Esta tendencia se desarrolló en Italia en el siglo XVI.


ARQUITECTURA

Características
La arquitectura manierista alteró arbitrariamente la estrecha correlación renacentista entre las partes y el conjunto del edificio.
Autores y obras
  • Palladio: Villa Capra.

ESCULTURA

Características
El rasgo más distintivo de la escultura manierista es el uso de la serpentinata (contorsión en forma de ascensión helicoidal).
Autores y obras
  • Juan de Bolonia: El rapto de las Sabinas, Mercurio.
  • Benvenuto Cellini: Perseo.

PINTURA

Características
  • Posturas forzadas de las figuras.
  • Colores suaves e irreales.
  • Rechazo del equilibrio y la claridad propias del Renacimiento para lograr composiciones más dramáticas y complejas.
Autores y obras
  • Parmiginiano: La Madonna del cuello largo.
  • Tintoreto: El lavatorio de los pies.
  • Veronés: Las bodas de caná, Moisés salvado de las aguas.


    El Rapto de las Sabinas

miércoles, 15 de febrero de 2012

Iglesia San Lorenzo


Basilica San Lorenzo


La iglesia de San Lorenzo fue construida entre 1421-1428, cuyo autor fue Filipo Brunelleschi (Florencia, 1377-1446). Esta obra pertenece a la época del Renacimiento, en Florencia (Italia) durante el Quattrocento.
Se inició esta nueva etapa en Italia, mietras que el resto de Europa seguía con las construcciones góticas. una vez que llego al Cinquecento, adquirió mayor madurez, s.XVl.

Análisis formal

El exterior de la iglesia presenta una fachada inconclusa, hecha en piedra y ladrillo, ya que no se llevó a cabo su revestimiento con decoración de mármoles .
Todo el conjunto mantiene una armonía estructural perfecta y se puede
observar con claridad las diferentes alturas de la nave central de las laterales. En la parte posterior sobresale la cúpula ligeramente ojival que corona el crucero.

En el interior la planta es de cruz latina con un crucero remarcado por una cúpula semiesférica sobre pechinas,de perfil apuntado, cuya planta es octogonal. Ésta presenta pinturas religiosas en su interior. 


 
La nave central, cuya cubierta es plana, es el doble de alta y ancha que las laterales y su separación se hace a partir de columnas de orden corintio las cuales soportan arcos de medio punto. Encima de estos arcos se encuentra el triforio, cubierto por salteados ventanales estrechos y alargados que permiten la luz hacia el interior.
En las naves laterales,que presentan bóvedas vaídas, encontramos capillas que se abren a través de arcos de medio punto sobre los cuales se disponen óculos. Adosados a ambos lados del transepto se encuentran dos amplios espacios,
que sobresalen de la estructura del templo. Son las llamadas "Sacristía Vieja" (obra del propio Brunelleschi) y "Sacristía Nueva" (obra de Miguel Ángel).


Significado

Esta obra está pensada para que haya un punto de fuga, el altar. Se consigue una iglesia iluminada, gracias a las ventanas abiertas a diferentes alturas.
No hallamos en la propia edificación referencias simbólicas evidentes,
más allá de la que nos muestra la propia planta de la basílica, cuya cruz latina es una referencia obvia al más conocido símbolo de la religión cristiana.
Sus proporciones a escala humana reflejaban el nacimiento de una nuevasociedad humanística que ha dejado atrás la Edad Media.






martes, 14 de febrero de 2012

Cinquecento


ARQUITECTURA

Características generales

  • Centro cultural y artístico: Roma.
  • Palacios con alternancia de frontones sobre los vanos y con fachadas sobrias.
  • Teatros y bibliotecas.
  • Plantas basilical y centralizada.

Autores y obras

San Pedro del Vaticano: Bramante, Rafael, Sangallo el Joven, Miguel Angel y Carlo Maderno.





Sangallo el Joven:
  • Palacio Farnesio.

Bramante:
  • Santa María presso San Sátiro.
  • Santa María delle Grazie.
  • San Pietro in Montorio.
  • Basílica de San Pedro del Vaticano (primer proyecto).

Rafalel:
  • Villa Madama.

Miguel Ángel:
  • Biblioteca laurenciana.

ESCULTURA
Características generales

  • Auge de la escultura.
  • Dominio de la técnica, de las formas y de los materiales.
  • Interés por lo monumental (grandes esculturas de bulto redondo).
  • Estudio de la anatomía y el desnudo.
  • Estudio del movimiento.
  • Empleo del esquema de la línea serpentinata.

Autores y obras

Miguel Ángel:
  • Piedad del Vaticano.
  • David.
  • Tumbas de la familia Medicis (Lorenzo y Juliano).
  • Esclavo moribundo.
  • Esclavo rebelde.



PINTURA

Características generales

  • Dominio de la técnica.
  • Auge de la pintura con la aparición de grandes maestros.
  • Proceso de interpretación personal de las formas, dando lugar al manierismo.

Autores y obras

Leonardo Da Vinci:
  • La última cena.
  • La Gioconda.

Rafael:
  • Escuela de Atenas.
  • La Galatea.
  • Madonna sixtinal.

Miguel Ángel:
  • Frescos de la Capilla Sixtina (La creación de Adán).
  • El juicio final.

Tiziano (Pintura veneciana):
  • La bacanal.
  • Dánae.

lunes, 13 de febrero de 2012

Quattrocento


ARQUITECTURA

Características generales

  • Centro cultural y artístico: Florencia.
  • Órdenes clásicos, arco de medio punto, bóvedas de cañón y cúpulas.
  • Templo de planta central.
  • Palacios de tres pisos y planta rectangular.
  • Presencia de volumen.
  • Hospitales.

Autores y obras

Filippo Bruneleschi:
  • Cúpula de la catedral de Florencia.
  • Hospital de los inocentes.
  • Capilla Pazzi.
  • San Lorenzo.
  • Santo Spirito.

Michelozzo di Bartolomeo:
  • Convento de San Marcos.
  • Palazzo Medici-Ricardi.

Leon Battista Alberti:
  • Palacio Rucellai.
  • Templo Malatestiano.
  • Santa María Novella.
  • San Andrés de Mantua.

Giuliano Sangallo:
  • Palacio de Poggio in Caiano.
  • Santa María delle Carceri.

    ESCULTURA
    Características generales

  • Influencia de la escultura clásica.
  • Realismo.
  • Gran expresividad.
  • Dinamismo.
  • Perspectiva.
  • Valoración de la figura humana.
  • Materiales: madera, mármol y bronce.
  • Temas religiosos y funerarios.

Autores y obras

Lorenzo Ghiberti:
  • Puertas del Paraíso.
  • Segundas puertas del baptisterio de San Juan.

Donatello:
  • David.
  • San Jorge.
  • San Marcos.
  • Virgen con el niño y San Antonio.
  • Condotiero Gattamelata.

Andrea Verrochio:
  • David.
  • Condotiero Colleoni.

Lucca della Robbia:
  • Cantoría de la catedral de Florencia.
PINTURA

Características generales

  • Ruptura con el gótico internacional.
  • Inspiración en el mundo clásico.
  • Plasmación fiel de la naturaleza y de su tridimensionalidad.
  • Empleo de la perspectiva.
  • Importancia de la línea.
  • Estudio de la luz y del movimiento.

Autores y obras

Fra Angelico: Su pintura es un nexo con el gótico. Entre sus características destaca: dulzura, belleza idealizada, actitudes serenas, figuras sagradas y minuciosidad del paisaje.
  • La anunciación.

Masaccio: Ruptura con el periodo anterior, el color por encima del dibujo, cuerpos muy definidos en cuanto a volumen y profundidad de los escenarios.
  • El tributo del César.
  • La trinidad.

Piero della Francesca: Perfección de la perspectiva y claroscuro.
  • La Virgen con el Niño, santos y Federico de Montefieltro.
  • La flagelación de Cristo.

Boticelli: Espíritu neoplatónico, que se refleja en su forma de pintar (la luz es la prueba de la existencia de Dios). Trata temas mitológicos. Sus obras se caracterizan por el dinamismo, con un gran dominio del dibujo y una suave sensualidad.
  • El nacimiento de Venus.
  • La calumnia de Apeles.
  • La primavera.

Perugino: Espacios abiertos y arquitectura clásica, y el principio de la simetría.
  • Entrega de las llaves a San Pedro.

Mantegna: Escorzo.
  • Muerte de la Virgen.
  • Cristo muerto.

Giovanni Bellini:
  • La Virgen y el Niño con santos.

domingo, 12 de febrero de 2012

El Renacimiento




El Renacimiento es un movimiento artístico que nació en Florencia al principio del siglo XV. Tal i como su nombre indica, supuso un renacer del arte clásico. El renacimiento se divide en dos periodos: el Quattrocento y el Cinquecento. Es un arte de propaganda política y religiosa.

ARQUITECTURA

  • La arquitectura se inspiró más en el arte romano en vez de en el griego, debido a su mayor proximidad temporal y a la monumentalidad de sus obras.
  • Los autores renacentistas exponían sus maquetas y dibujos a una serie de clientes, hecho que potenció el desarrollo de la arquitectura.
  • Se utilizaron los cinco órdenes clásicos: dórico, jónico, corintio, toscano y salomónico.
  • El arco de medio punto y la bóveda de cañón fueron los más usados.
  • El conocimiento sobre la perspectiva permitió dotar a las obras de perspectiva y simetría, en las que las líneas perspectivas confluían en un punto central, desde el cual se podía observar todo el edificio.
  • Tipología: las construcciones más importantes fueron la iglesia (planta de cruz griega y planta circular, centralizadas) y el palacio. También destacan la villa y la fortaleza.

ESCULTURA

  • Naturalismo y realismo.
  • Interés por el hombre, por su cuerpo y su expresividad.
  • Tendencia al monumentalismo.
  • Esculturas separadas de las obras arquitectónicas (rechazo de la ornamentación escultórica en la arquitectura).
  • Uso de esquemas formales geométricos simples.
  • Predominio de las líneas curvas (tradición griega).
  • Perspectiva, con el objetivo de dotar a las esculturas de realismo.
  • Regreso a las esculturas ecuestres (tradición romana).

PINTURA

  • El hombre como tema central.
  • Uso de la perspectiva.
  • Naturalismo.
  • Incorporación de nuevas técnicas: pintura al óleo, lienzo como soporte, etc.
  • Uso del claroscuro.
  • Predominio del dibujo sobre el color.
  • Uso de esquemas formales geométricos simples.
  • La invención del retrato para destacar la individualidad y la importancia personal.
  • Importancia del paisaje, que deja de ser un simple fondo para convertirse en el tema principal de algunas obras.

martes, 7 de febrero de 2012

Arte Gótico



El arte gótico nació en Francia, y se suele clasificar en tres etapas:
  • Periodo de formación (s. XII-XIII): construcciones similares a las románicas, pesadas y robustas.
  • Periodo de plenitud (s. XIII-XIV): formas esbeltas, ligeras y elegantes, y ornamentación más rica.
  • Periodo de decadencia (s. XV): ornamentación exuberante y pérdida de la harmonía característica de la etapa anterior. También se denomina gótico flamígero.

La orden cisterciense influyó enormemente en su expansión y consolidación.

ARQUITECTURA

Características generales

  • Plantas de las catedrales de tres o cinco naves longitudinales.
  • Su elemento más característico es el arco apuntado u ojival, más ligero que el arco del medio punto, así como la bóveda ojival o de crucería.
  • Arbotantes y contrafuertes para contrarrestar la carga de las bóvedas.
  • Paredes con amplios ventanales o vidrieras que dotan de iluminación al edificio.
  • Gran verticalidad y luminosidad, que evoca un sentimiento de espiritualidad característico del cristianismo.
  • Presencia del pináculo como elemento decorativo.
  • Tipología: catedrales, lonjas, palacios y castillos.

Obras principales

  • Monasterio de Santas Cruces.
  • Notre Dame de Chartres.
  • Catedral de León.
  • Catedral de Burgos.
  • Santa María del Mar.
  • Lonja de Valencia.

La arquitectura Gótica en Aragón

  • Predomina la planta de salón.
  • Diafanidad espacial.
  • Aprovechamiento de los vacíos entre los contrafuertes para poner capillas.
  • Escasa iluminación y supresión de los arbotantes, que se traduce en exteriores macizos y sin esa tendencia a la verticalidad propia del gótico francés más ortodoxo.

ESCULTURA

Características generales

  • Se encuentra subordinada en la arquitectura, principalmente en las portaladas de las catedrales, aunque también aparecen en los retablos.
  • El naturalismo y realismo son sus principales características, que sustituyen el simbolismo románico.
  • Más humanidad de los personajes respecto al románico.
  • Figuras más esbeltas.
  • Preferencia del relieve frente al bulto redondo.
  • Temática religiosa.
  • Función didáctica y narrativa (acontecimientos humanos).
  • Materiales más usados: piedra y madera.
  • Obras principales: Fachada oeste de la Catedral de Remis y Puerta del Sarmental.

PINTURA

Características generales

  • Desaparición de la pintura mural y difusión de la pintura sobre tabla (en un primer momento a temple y posteriormente al óleo), a causa de la ausencia de muros en las catedrales góticas.
  • Temática preferentemente religiosa, pero también profana.
  • Naturalismo y expresividad de las figuras.

Estilos

  • Francogótico (s. XII-XIII): predominio de la línea sobre el color. Figuras planas y fondos dorados.
  • Italogótico (s. XIII-XIV): las figuras con mayor perspectiva y volumen.
  • Internacional (s. XIV-XV): figuras más estilizadas y representación de escenas cuotidianas.
  • Flamenco (s. XV): temática profana, realismo, denles minuciosos y perspectiva.

Pintura italiana: el trecento

  • Escuela de Florencia: Giotto. Las obras de Giotto se caracterizarán por la teatralidad, el naturalismo y el volumen. Su obra más característica es La resurrección de Lázaro, donde Lázaro se representa igual a sus semejantes y donde se observa una variedad de tonalidades.

  • Escuela de Siena: Duccio, Simoni y los hermanos Lorenzetti (influidos por Giotto). Se ven influidos por arte bizantino y el gótico internacional.
Pintura flamenca

Se desarrolla en el siglo XV, a finales del gótico. Sus principales representantes son los hermanos Hubert y Jan Van Eyck, que trata temas tanto religiosos como cotidianos, con un afán de lujo y ostentación. Sus obras más representativas son: El Matrimonio de Arnolfini (Jan Van Eyck), La virgen del canciller Rollin (Jan Van Eyck) y el Políptico del Cordero Místico (ambos). También destaca El Bosco, con El jardín de las delícias.