Villa Savoye

Villa Savoye

Se trata de una obra de Le Corbusier. Es uno de los grandes iconos de la arquitectura del siglo XX. Se encuentra en Francia, con vistas al río Sena. Este proyecto fue creado entre 1928 y 1931 justo después de que este autor comentara que ''las viviendas deben ser máquinas para vivir''. Le corbusier tenía cinco reglas que se habian de cumplir para obtener una buena arquitectura y son los siguientes:

-Soporte sobre pilotes a distancias regulares

-Azoteas planas utilizadas para un jardín o mirador

-Planta diáfana

-Ventanas apaisadas correderas (proporcionando mayor iluminación uniforme al interior)

-Fachada libre de decoración, pureza cúbica.

En 1940 fue abandonada, debido a la invasión alemana durante la Segunda Guerra Mundial y en este periodo fue bombardeada e incendiada. Después de esta tragedia se nombró la Villa Savoye como patrimonio arquitectónico por parte del gobierno francés y posteriormente se restauró.

Se trata, pues, de una vivienda unifamiliar que satisface todas las necesidades funcionales de quienes habiten en ella.

La casa presenta una planta cuadrada, organizada en tres alturas: La planta baja para tareas del servicio; la primera planta para residir ; la última, la terraza, usada como jardín o mirador.

La fachada de este edificio es blanca, libre, sólo la adornan ventanas. La planta baja esta rodeada de columnas cilíndricas. Ésta da paso al jardín puesto que está rodeada de un ambiente natural.

En el interior de la vivienda encontramos una impresionante escalera, en forma de caracol, con sus perfectas líneas curvas, dando paso a las plantas superiores.

La primera planta está rodeada de ventanas correderas apaisadas, las cuales proporcionan una iluminación uniforme al interior. Encontramos aquí también un patio interior pero no central sino en un lado. Este patio interior podemos observarlo desde la parte superior donde se encuentra el jardín, al cual se sube por una pendiente.

Podemos destacar que todas las paredes son blancas y que la decoración es minimalista, obteniendo así una gran harmonía, libertad y paz en el interior de la vivienda.

Esta construcción está creada con los nuevos materiales de la época, mucho más resistentes, de vigas de hierro camufladas con el hormigón.

Fue creada para mostras los grandes avances que se podían conseguir con los nuevos materiales del siglo XX. Es una obra puramente racionalista,la cual ha servidio como ejemplo para muchas construcciones de hoy en día. Es un excelente trabajo admirable.

Las hilanderas

LAS HILANDERAS

Las hilanderas es una obra del pintor sevillano Velazquez, una obra que representa la Fábula de Aracné. Fue creada en 1657, una época en la cual existía una gran crisis económica, social y política. En esta etapa se establecía un proceso de cambio, donde el fenómeno político consolidaba el absolutismo. En cuanto al ámbito religioso, había una oposición entre los que estaban a favor de la Contra reforma católica y los que defendían la reforma protestante.

Esta obra presenta un género costumbrista puesto que vemos cinco mujeres hilando, como hábito diário. También vemos como aparece el género mitológico en el escenario, tras las hiladoras, donde se muestran cinco personajes femeninos representando un momento concreto, en el cual Atenea castiga a Aracné.

Con esta pintura, Velaquez quiere expresar que el arte es liberal. Se presentan tres planos, el primero con las hiladoras tejiendo, el segundo sería el tenebrismo en los laterales y el tercer plano, el escenario. En este cuadro vemos un juego típico del Barroco como es poner el mensaje en segundo plano, que el arte es liberal y que el trabajo de las hilanderas también puede ser motivo de arte.

La belleza natural-realista de esta obra está compuesta por el movimiento exacto conseguido con la luz, el brillo de la rueda que refleja el movimiento circular de ella misma. Se presenta también un juego geométrico con las diagonales de los cuerpos como por ejemplo las piernas de las hilanderas. O también nos muestra un triangulo entre la segunda y tercera mujer para dar paso al escenario y éste sigue sulínea horizontal hasta el brazo de Minerva, que señala al teatro para indicar el segundo plano.

Las hilanderas fue creada para mostrar la belleza en los hábitos rutinarios como es el trabajo de las hiladoras y también para mostrarnos la Fábula de Aracné. Se muestra aquí cómo cinco mujeres hilan unos tejidos y después están colgados en el escenario, así pues, se interpreta que estas mujeres están trabajando y nos muestra el resultado final.

The escorial

The Escorial

The Escorial is in Madrid (Spain). The architect is Juan de Herrera, who built it between 1563-1584. At this time Felipe II was reigning. This project had multiple functions like: palace, monastery, a center of culture and art, etc. This work is the most important Spanish classical architecture that, belongs to the Mannierism period.

This building is rectangular, surrounded by gardens. It is dominated by a large temple whose main chapel stands the rectangle. It has a facade movement with slight gains of the inputs into the monastery. The building is full of windows to bring light. We can also say that this is itself a monumental Baroque movement. The ornamentation of the walls is reduced to the trim that frame the building elements and the piramidiones.

The plant of this project is divided into three courts, one temple, rooms, one school and one convent. In the interior of this work we find a lot of paintings and altarpieces figures all made with quality materials but they seem to be very good.

The Escorial is also announcing the Mannierism because it is true to the aesthetics of the Counter-Reformation in its close connection between art and political and religious power.

Vocación de San Mateo

Vocación de San Mateo

Esta obra pertenece a Caravaggio. Se trata de una pintura de estilo Barroco, s. XVII, hecha de óleo sobre lienzo. Fue creada en una época en la cual existía una gran crisis económica, social y política. En esta etapa se establecía un proceso de cambio, donde el fenómeno político consolidaba el absolutismo. En cuanto al ámbito religioso, había una oposición entre los que estaban a favor de la Contra reforma católica y los que defendían la reforma protestante.

La escena que se muestra en la pintura es una taberna de Nápoles, donde aparecen cinco personajes (los que estan sentados) vestidos a la manera de los contemporáneos de Caravaggio. Por otra parte, los que están de pie (Cristo y San Pedro) están vestidos con una amplia túnica que presenta cierta espiritualidad. Éstos van descalzos mientras que los otros cinco van calzados.

En esta obra podemos observar que no hay idealismo sino naturalismo. Se presenta aquí una escena en un momento concreto con el dramatismo propio del barroco, donde aparecen Cristo junto a San Pedro señalando a Mateo y éste se sorprende ante la llamada.

Podemos observar también la naturalidad en el ambiente puesto que ha eliminado todo símbolo espiritual, haciendo referencia a un lugar cualquiera, natural.

En cuanto a la técnica de la luz, es fundamental en este cuadro que construye las figuras y fija la composición. Es una luz dirigida, intensa, formando una línea diagonal barroca que va desde la cabeza de Cristo, pasando por su propia mano hasta llegar a Mateo, por lo tanto, presenciamos así el tenebrismo.

Las obras de Caravaggio no gustaron del todo a la iglesia ya que habia una gran ausencia de simbología cristiana, por lo que crearon problemas. Por otro lado, las obras de este autor gustaban mucho a los contemporáneos de él.

San carlos de las Cuatro Fuentes

San Carlos de las Cuatro Fuentes

San Carlos de las Cuatro Fuentes es una obra de Borromini, clave para este período. Fue construida en la época del Barroco, en Roma (s. XVII).

La fachada del templo, construida en piedra, constituye un paradigma del barroco italiano. Está dividida en dos plantas por un friso en el cual se inscribe en latín (IN HONOIS TRINITATEM ET CAROLI MDCLVI), una dedicatoria y la fecha de su consagración. Destaca de la fachada las cuatro columnas de orden compuesto gigante (fuste liso y capitel corintio).

Los ritmos son opuestos en ambos pisos, pues a las formas cóncavas del piso de abajo les corresponden las formas convexas en el alto. La plasticidad de la fachada viene reforzada por entablamentos que se ondulan y se quiebran en perfiles mixtilíneos a fin de conferir al conjunto un movimiento permanente.

El sentido teatral de la fachada viene dado por varios elementos: relieves ornamentales; nichos y las estatuas de San Carlos Borromeo y otros santos; el edículo-ventanal saliente del piso superior; y el gran óvalo llevado por ángeles que rompe el entablamento y la balaustrada de remate. Ese óvalo contiene una pintura al fresco de la "Coronación de la Virgen".

La planta de esta iglesia es la unión de la idea del rombo con líneas curvas para crear movimiento. La cúpula de este proyecto es muy llamativa puesto que es muy similar a los paneles de abejas, por lo tanto, el autor tiene la inspiración en la naturaleza.

La fiebre constructiva que parece afectar a Roma a lo largo del siglo XVII es una muestra del afán de la Iglesia Católica por demostrar su poder que estaba muy debilitado por las constantes luchas contra los Reformistas protestantes. El papado se empeña en demostrar su poder construyendo fastuosos templos y palacios aunque en muchos casos, la apariencia de lujo y poder encubre la pobreza de los materiales (ladrillo, estuco) que prueban el mal momento económico de la iglesia.

San Andrés del Quirinal

San Andrés del Quirinal

Esta obra fue realizada por Lorenzo Bernini entre 1658-1670, siglo XVII, en Roma. Se trata de un proyecto de estilo Barroco, la mayor obra de Bernini. Fue creada en una época en la cual existía una gran crisis económica, social y política. En esta etapa se establecía un proceso de cambio, donde el fenómeno político consolidaba el absolutismo. En cuanto al ámbito religioso, había una oposición entre los que estaban a favor de la Contra reforma católica y los que defendían la reforma protestante. 

 

Bernini retoma la planta elíptica con el eje mayor paralelo a la fachada, esquema que ya había empleado en la capilla del Collegio di Propaganda Fide. En esta fachada destaca el movimiento, propio del período Barroco, que se aprecia en la planta. Contrapone el movimiento convexo de la escalinata de acceso a la iglesia con el cóncavo del pórtico lateral. Remata la fachada un frontón triangular, cuyos pilares son decorados con el orden corintio.

La iglesia contiene una sola entrada. La primera visión que se obtiene es frontal, donde encontramos el pequeño ábside . En este edificio religioso se crea un juego de volúmenes donde la entrada es convexa y el ábside y las capillas cóncavas. Las capillas están separadas por pilastras, cada una con su altar.

La iglesia está cubierta con una cúpula gallonada eíptica. Podemos decir que también está vaída, por los grandes ventanales que posee la cúpula para contener luminosidad en el interior. En el centro de la cúpula, vemos un óculo, que también proporciona luz hacia el altar. Encima de las ventanas encontramos una decoración escultórica de figuras humanas.

La iglesia 'San Andrés del Quirinal' es la mayor obra de Bernini. En poco espacio creó un gran conjunto de elementos propios del período Barroco. Recarga mucho el poco terreno que tiene y lo comprime mucho, no tiene tanto espacio como podía tenerlo Borromini, quien creó la iglesia de 'San Carlos de las cuatro fuentes'.

Este proyecto fue creado por la gran importancia que estaban adquiriendo los jesuitas en la iglesia. También fue creada por el interés que tenía el rey Alejandro VII en embellecer Roma.

Apolo y dafne

APOLO Y DAFNE

La obra escultórica ''Apolo y Dafne'' fue realizada por Bernini en el siglo XVII (1622-1625). Es un proyecto barroco, período donde en el cual existía una gran crisis económica, social y política. En esta etapa se establecía un proceso de cambio, donde el fenómeno político consolidaba el absolutismo. En cuanto al ámbito religioso, había una oposición entre los que estaban a favor de la Contra reforma católica y los que defendían la reforma protestante.

Esta escultura de bulto redondo realizada con mármol blanco está creada a tamaño real.

En esta obra se representa un hombre (Apolo) y una mujer (Dafne). En ellos podemos observar cierto equilibrio en su composición. Se expone en esta obra una expresividad clara de los sentimientos de una escena real.

Se aprecia un juego con las diagonales de la obra, empezando por la pierna izquierda de Dafne acabando con la pierna izquierda de Apolo.

Hay un gran detallismo en cada mínimo complemento de la obra, como por ejemplo el cabello de cada personaje, las caras muy expresivas o las sandalias con cada detalle.

   Los cuerpos de las figuras son muy estilizados, los músculos no están demasiado marcados, sino que son naturales.

   ''Apolo y Dafne'' es una obra mitológica que se caracteriza por ser barroca por el hecho de reflejar un momento en concreto, el cual representa el momento en el que Dafne se convierte en un árbol laurel y Apolo persiguiéndole.

  También es muy característico de ésta época la teatralidad expresada en los rostros de los personajes y el movimiento que lo observamos en el ropaje de Apolo que no cae hacia abajo, recto; está en movimiento.

 El canon que se establece en este proyecto es de siete cabezas.

El entierro del Conde Orgaz

El entierro del Conde Orgaz

Esta obra se encuentra en la iglesia de Santo Tomé, Toledo. Pertenece a Domenikos Theotokopoulos, El Greco. Se trata de una pintura religiosa al óleo sobre lienzo, creada en el siglo XVI, 1586-88 en España. El estilo empleado es renacentista.

Se trata de un proyecto de gran formato donde se presenta una temática religiosa y un retrato individual de cada noble que aparece en el cuadro. La posición de los nobles, su misma altura, está influenciado por el arte bizantino donde se presentan las figuras en un mismo nivel.

Principalmente, podemos observar una clara división entre lo terrenal situado en la parte inferior donde aparecen los nobles y el cuerpo del conde Orgaz muerto. En la parte superior encontramos la parte celestial donde está Dios, Jesús y la Virgen formando una imagen jerarquizada triangular.

Por otro lado, encontramos a la izquierda de la obra una dama, la cual está encogida respecto a los demás personajes. Este detalle es característico del manierismo italiano, donde presentan una desproporción de los cuerpos. En cuanto al personaje principal, el Conde Orgaz, presenta un movimiento exagerado, dramático.

Si nos fijamos en el color de la obra, observamos claramente un claroscuro, donde la luz tiene un papel muy importante para representar los colores irreales propios del manierismo. Debemos añadir que la luz es artificial ya que no tiene ningún origen representado en el cuadro como por ejemplo; las antorchas. Con la técnica que usa de manchas de color, hace el efecto de casi la total ausencia del dibujo, predominando así el color.

En cuanto a las prendas de vestir de los personajes, se observa el lujo de esa época, se aprecia un gran detallismo en éstas.

La obra que hemos analizado del Greco pertenece al Renacimiento español. Este arte llego a España después de haberse iniciado y experimentado ya en Italia. Esta introducción fue favorecida por las relaciones políticas de los Reyes Católicos y Carlos I con Italia. Estos monarcas estaban interesados para usar el arte como propaganda religiosa y en cuanto a la política, también querían propaganda. Esta obra presenta la muerte del Conde de Orgaz, y el ascendimiento de su alma hacia la Gloria.

Creación de Adán

La Creación de Adán

Esta obra fue creada por Miguel Ángel en 1510, durante el período del Cinquecento en Itália. Es un fragmento que decora la Capilla Sixtina del Vaticano, en Roma. Se trata de una pintura al fresco, la cual se hace sobre una pared con una fina capa de yeso y después rápidamente se aplican los pigmentos para que se adhiera bien a la pared.

Esta obra representa una escena bíblica donde presenta a Dios creador a la derecha, junto a unos ángeles como personajes secundarios. El creador está tendiendo la mano hacia adelante y casi tocando al otro personaje ala izquierda de la pintura, que representa a Adán desnudo, solitario sobre la tierra. Entre ambos personajes se establece una relación visual.

En este proyecto observamos una tensión dinámica entre los cuerpos desde los pies del creados , pasando por su brazo estirado hasta el brazo de Adán también en tensión estirado. En esta pintura observamos la analogía de la composición de los cuerpos, grandes volúmenes, gran estudio anatómico de los moldeados de los cuerpos. Se revela la energía oculta de los cuerpos. En esta obra se presenta la terribilità donde se expresa el drama interior que se trasluce a través de los cuerpos, lamuestra de poderío, de grandeza del creador. Podemos ver también los elementos clasicistas como son los colores claros, la naturaleza. Ésto está combinado con los elementos manieristas que son detalles como la monumentalidad de la obra, los colores llamativos, las posiciones de los cuerpos exagerada, forzada.

Primavera

La Primavera

La Primavera de Botticelli pertenece al Renacimiento, fue creada entre 1477 y 1478. El autor es Sandro Botticelli (1444-1510), un pintor cuya concepción de la pintura es más poética que científica o matemática. El hombre se siente centro del universo (antropocentrismo), y esto tendrá una evidente plasmación en el arte, tanto en la arquitectura como en la escultura y la pintura, donde el naturalismo y el realismo se irán imponiendo con más fuerza.

Se trata de una obra que usa la técnica del temple (mezcla de pigmentos mediante huevos) sobre la tabla. Se representa a la izquierda del todo a Mercurio, junto a él (a la derecha) las Tres Gracias bailando. Éstas unen las manos alzadas formando un circulo como símbolo de lo divino. A la derecha de éstas, en el centro del cuadro, encontramos a Venus, quien representa la máxima belleza de la mujer vestida. A la derecha del todo vemos a Céfiro que esta junto a una ninfa. En la parte superior encontramos un amorcillo, Cupido, quien reparte amor ciegamente.

Es una obra que destaca su gran realismo en las figuras por el estudio de la anatomía. Aquí se puede observar una especie de triángulo que termina Cupido, bajando hacia Mercurio y Céfiro, uniéndose entre las demás figuras.

El espacio donde están representados estos personajes es un espacio natural, lleno de naranjos. Es una obra en la que predomina la luz sobre todos los cuerpos de los personajes y en los claros del bosque.

Es una obra que representa un tema mitológico. Se representa también el ascenso al cielo a través de la luz. Venus es el símbolo de la pureza mientras que Mercurio pide la luz.

Gioconda

La Gioconda

La Gioconda o Mona Lisa es una pintura de Leonardo Da Vinci. Fue creada entre 1503-1505, en la época del Renacimiento (Cinquecento). Se encuentra en el museo del Louvre, París. La Gioconda simboliza la calma y la serenidad. Es naturalista pero también mostró el alma de la mujer que tenia en frente.

Este retrato muestra la belleza de una mujer de su época. Se observa una mirada especial y una misteriosa sonrisa, Leonardo consiguió este efecto con la técnica del esfumato. Utiliza esta técnica para dar la sensación de vida, así comparadas con las obras del Quattrocento, éstas parecerían estatuas. Da Vinci difumina las comisuras de los labios y los ojos y ahí deja la imaginación del observador. También usa el esfumato en su rostro ya que sobre él cae un velo que simboliza serenidad. En este retrato se observa el gran interés de Leonardo por el dibujo, si nos fijamos en el bordado del vestido de la mujer, muy complejo, bien detallado. La figura de ella muestra un triangulo casi regular.

Vemos que la mujer está sentada, relajada , en un marco de una ventana, por la cual podemos observar un paisaje fantástico tras ella. El horizonte no se muestra equilibrado como se hacia anteriormente. Vemos la técnica de la perspectiva aérea ya que se va difuminando el camino que comienza a la izquierda del cuadro y a medida que se aleja, se difumina y pierde el detalle. Por este paisaje irreal se encuentra un lago y tras él, montañas.

En esta obra los paisajes reflejan la vida fácil, a través de ese camino, se refresca con agua divinizada del río. Hay que llegar tras ascender la montaña, que es el camino duro, y así llegar a Dios. Leonardo rompe con la idea de frontalidad, hay un contrapposto donde nos mira, pero su cuerpo está girado. Este hecho da vida a la mujer. El claroscuro crea un contraste que da vida.

Gattamelata y Colleoni

Comparación entre:

Gattamelata y Colleoni

Gattamelata(1453) es la primera obra ecuestre que se hace en la Edad Moderna, que no se hacía desde la época romana. Caballo y caballero avanzan serenos, sin perder las buenas maneras, pero con la autoridad de da ser el vencedor. Esta escultura intenta reflejar la inteligencia con la que el ejército actúa ante sus adversarios. Se trata de un proyecto que se necesita un punto local para entender la obra, no hace falta rodearla para entenderla. Es una escultura que muestra serenidad, naturalismo, relajación. Marca detalladamente la musculatura del caballo, la suavidad. 

 

Por otro lado, tenemos la escultura Colleoni (1479) es un retrato ecuestre del condottiere Bartolomeo Colleoni, frente a la serenidad del Gattamelata, Verrochio resalta el dinamismo: caballo y jinete mueven la cabeza en dirección opuesta y expresan tensión y vitalidad en sus cuerpos. Esta obra representa la energía, el poderío. En este proyecto, a diferencia de Gattamelata, se necesita movimiento ante la escultura para llegar a entender cada detalle. Observamos que es un retrato donde se intensifica la fuerza del caballo con las armaduras que posee sobre él, se representa muy robusto, firme. El caballero, también muestra la misma actitud, una psicología se halla en él, de dureza, valiente. Tiene una postura que demuestra su valor a los adversarios.

David de Miguel Ángel

DAVID DE MIGUEL ÁNGEL

La escultura del 'David' de Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) fue creada entre 1501-1504 , época del Renacimiento italiano (Cinquecento). Tiene una altura de 4,10m y se encuentra en la galería de la Academia, Florencia. Construyó esta obra después de haber concluido la Piedad del Vaticano.

Se trata de una estatua monumental, sacando la belleza de una piedra de mármol. Representa a un rey bíblico al estilo clásico desnudo y como atleta, que porta en su mano izquierda una honda y, en la derecha, una piedra. Se aprecia una gran minuciosidad en los detalles de la personalidad.

Miguel Ángel se basó en el ''David'' de Donatello para hacer su propia obra. Podemos observar cómo hay un movimiento contenido, que se convierte en una tensión corporal. Además, para no confundir esta tensión, el autor crea un contrapposto y aumenta las partes de ciertas zonas del cuerpo. Se observa la mano que sostiene la piedra (la derecha) que está muy desarrollada, desequilibrada, haciendo referencia a su hábito de hondero (característica del manierismo). Todo ello conduce al concepto de terribilitá que caracteriza otras obras del autor.

Simbolismo.

El David de Miguel Ángel representa pues, la fuerza que se opone a la imagen dulce del David que Donatello construyó. Éste no está presentado con una espada en la mano de la victoria ni la cabeza de Goliat a sus pies, no es triunfante, sino que es el símbolo de las virtudes cívicas principales del Renacimiento que mostraba un desnudo integral, al gusto de la antigüedad clásica. Aunque se aleja de este espíritu por el desequilibrio y el movimiento.

Estos rasgos hacen que la figura escultórica del rey David tenga un símbolo de la libertad, y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina. 

La Piedad

La Piedad del Vaticano

Esta obra de Miguel Ángel (1475-1564) fue creada entre 1498-1499, época del Renacimiento (Cinquecento). Es una escultura tallada en mármol, una escultura exenta, de 1,74m de altura y 1,95m de largo. Se encuentra en la iglesia de Santa Petronella, Roma. Se representa aquí a la Virgen María que, aguanta en sus brazos a su hijo, ya mayor, muerto.

Observamos que se representa a la Virgen muy joven, con la cabeza inclinada sin mirar a su hijo Cristo. Este gesto simboliza el silencio, se demuestra aquí la personificación de los sujetos. El autor consigue una unidad indisoluble. El cristo muerto, a punto de caer de las piernas de la madre. Se crea una forma triangular casi regular. Ambos rostros están muy personificados, expresivos, que demuestran el sufrimiento.

Esta obra es una gran combinación del clasicismo en las formas. La escultura se caracteriza por la gran diferencia de juventud entre madre e hijo, donde el hijo es representado mucho mayor que ella. En esta obra se revela un estilo equilibrado y sensible. Podemos ver como hay tensión en el cuerpo de Cristo, al alzar la pierna izquierda . Éste fue un proyecto que superó todos los anteriores, incluyendo el clásico de Laocoonte.

La Piedad es una escultura que representa un sueño de la Virgen, quien sueña estar sentada y tener en sus brazos a su hijo. Este sueño le muestra a ella el final de la vida de Cristo, le enseña cómo acabará, crucificado. Este hecho nos hace ver que la Virgen es capaz de ver todo lo que pasará, que es consciente de ello. Nos muestra el gran sufrimiento de la madre ante el final de la vida de su hijo.

David de Donatello

David de Donatello

El David de Donatello es una de las esculturas más importantes del Renacimiento, del Quattrocento. El autor trata de volver a hacer un desnudo tridimensional de medida natural. Es una exaltación de la belleza adolescente. Es una obra que ha de ser vista desde todas las prespectivas ya que está liberado del marco arquitectónico.

Escultura frontal. Obra representa claramente el contrapuesto, el ideal de Praxíteles, la pierna derecha firme sobre la tierra mientras que la izquierda descansa sobre la cabeza de Goliat, el gigante.

Es una escultura de bronce, cuidando cada detalle de la figura, como el brillo de ésta. Se observa del detalle del cuerpo, el volumen de él. Conserva un realismo humano idealizado ya que se caracteriza como un adolescente pero perfecciona aquellos detalles diminutos para conseguir la belleza de éste.

Se persigue el detallismo sobre el cuerpo del adolescente y, como vemos, la escultura se ciñe a las curvas del sujeto con mucha naturalidad, al igual que el movimiento que ofrece de los brazos, uno sobre la cintura y el otro cogiendo una espada, son naturales y realistas.

Donatello construye una escultura ensimismada, que contiene erotismo contenido, es un espíritu victorioso. Se observa una figura con personalidad, donde se observa la psicología del sujeto.

Se trata de un adolescente que vence a un gigante (Goliat) con la inteligencia y el valor, representado con el adolescente de actitud victoriosa sobre la cabeza de Goliat.

El David es el símbolo de Florencia, el ideal de hombre desnudo. Es la creación máxima de belleza, de la naturaleza.

Iglesia San Lorenzo

Basilica San Lorenzo

La iglesia de San Lorenzo fue construida entre 1421-1428, cuyo autor fue Filipo Brunelleschi (Florencia, 1377-1446). Esta obra pertenece a la época del Renacimiento, en Florencia (Italia) durante el Quattrocento.

Se inició esta nueva etapa en Italia, mietras que el resto de Europa seguía con las construcciones góticas. una vez que llego al Cinquecento, adquirió mayor madurez, s.XVl.

Análisis formal

El exterior de la iglesia presenta una fachada inconclusa, hecha en piedra y ladrillo, ya que no se llevó a cabo su revestimiento con decoración de mármoles .

Todo el conjunto mantiene una armonía estructural perfecta y se puede

observar con claridad las diferentes alturas de la nave central de las laterales. En la parte posterior sobresale la cúpula ligeramente ojival que corona el crucero.

En el interior la planta es de cruz latina con un crucero remarcado por una cúpula semiesférica sobre pechinas,de perfil apuntado, cuya planta es octogonal. Ésta presenta pinturas religiosas en su interior. 

 

La nave central, cuya cubierta es plana, es el doble de alta y ancha que las laterales y su separación se hace a partir de columnas de orden corintio las cuales soportan arcos de medio punto. Encima de estos arcos se encuentra el triforio, cubierto por salteados ventanales estrechos y alargados que permiten la luz hacia el interior.

En las naves laterales,que presentan bóvedas vaídas, encontramos capillas que se abren a través de arcos de medio punto sobre los cuales se disponen óculos. Adosados a ambos lados del transepto se encuentran dos amplios espacios,

que sobresalen de la estructura del templo. Son las llamadas "Sacristía Vieja" (obra del propio Brunelleschi) y "Sacristía Nueva" (obra de Miguel Ángel).


Significado

Esta obra está pensada para que haya un punto de fuga, el altar. Se consigue una iglesia iluminada, gracias a las ventanas abiertas a diferentes alturas.

No hallamos en la propia edificación referencias simbólicas evidentes,

más allá de la que nos muestra la propia planta de la basílica, cuya cruz latina es una referencia obvia al más conocido símbolo de la religión cristiana.

Sus proporciones a escala humana reflejaban el nacimiento de una nuevasociedad humanística que ha dejado atrás la Edad Media.

Panteón

PANTEÓN

Agripa fue el creador del Panteón, construido en el año 118-125 en Campo de Marte, Roma (Italia). Es uno de los edificios más importantes del autor, quien buscaba la monumentalidad, significado y simbolismo.

La planta de este templo es circular. Ante el pórtico tenemos una escalinata que da entrada a él. Por el diseño del pórtico podríamos decir que tiene influencia griega, es octástilo, el cual sostiene un frontón triangular de piedra. Las columnas que lo sostienen son de orden corintio. Están formadas por una basa que contiene dos toros convexos y una escorcia cóncava. Su fuste es de sección circular, el cual presenta un ligero éntasis, todo liso. El capitel de estas columnas es lo más representativo de este orden por semejar una cesta de la que rebosan las hojas de acanto, cuyos tallos dan lugar a una especie de volutas. El entablamento formado por el arquitrabe de tres franjas lisas. El friso con la inscripción del autor del edificio y la cornisa que es la base del frontón sin escultura en él.

La cúpula se apoya sobre un tambor cilíndrico, la cual tiene un óculo central que es el foco de la luz de 9m de diámetro, protegido por láminas de alabastro. Ésta en su interior contiene como decoración casetones. El tambor está dividido en tres niveles visibles desde el exterior por las impuestas. En el interior de la cela se abren ocho nifeas (uno ocupa la puerta), entre pilar y pilar, donde se rendía culto a los dioses.

Es una construcción de carácter religioso, dedicado a los dioses, incluyendo los emperadores anteriores ya divinizados. Este edificio es la representación del arte romano, en el período del emperador Adriano. Éste reconstruyó el templo de nuevo, pero dejó el autor del primer edificio para conmemorarlo. Esta construcción de proporciones cósmicas, reproduce, en sus dimensiones, la esfera celeste en la que los siete astros principales del panteón romano presencian actuaciones de los hombres. Está dedicado a todos los dioses del griego (Πας-πασα-παν) pan=todos y (Θεών) theón=dioses).

erecteion

ERECTEION

Esta obra es la máxima representación de la arquitectura jónica, cuyo autor es Mnesicles. Está situado en la acrópolis de Atenas en honor a Atenea Polias, Poseidón y Erecteo, mítico rey de la ciudad, consagrando los cultos más antiguos. Construido de mármol pentélico en los años 421 y 406. Es un templo con un diseño muy particular por motivos topográficos y de respeto a lugares de culto más antiguos que por razones estéticas.

La entrada principal contiene seis columnas en su frente, con su interior repartido en distintas zonas, una de las cuales acogía la estatua de Atenea construida de madera. En esta sala también se guardaban los trofeos y tesoros de las guerras Médicas, como por ejemplo la espada de Mardonio.

Tras esta naos dicha anteriormente, se encuentra (sin comunicación alguna) tres naos más de un pórtico tetrástilo, de orden jónico, en la fachada y dos más en los laterales. El entablamento del edificio consta de arquitrabe, friso( con animación de relieves continuos muy lejos del estilo del partenón). Encima de este se establece el frontón, el cual contiene un tímpano triangular sin escultura y acompañado de una cornisa por todo su perímetro. Encima de éste, encontramos sus respectivas acroteras.

Esta cella comunica con la tribuna de las Cariátides, un pequeño templete, desde donde se podía contemplar el Partenón. Este pequeño espacio caracterizado por las seis cariátides, figuras de mujeres que funcionan como columnas, las cuales sostienen el techo de dicho espacio. En esta tribuna encontramos una escalera que conduce a la tumba del rey Cécrope.

En el lado norte, en el nivel inferior, se añade un pórtico con cuatro columnas jónicas. Espacio donde debía estar el olivo de Atenea.

Esta obra fue dedicada a diversos dioses (Atenea y Poseidón) . Según la leyenda Zeus prometió Ática a aquel dios que le consiguiera el mayor bien. Aquí se representa la disputa entre atenea y Poseidón, por ser muy llamativa, dura. El olivo, principalmente, estaba situado e el recinto exterior dedicado a Pándrosos. Un olivo de mucha importancia.

Tríada Micerina

TRíADA MICERINA

La Triada Micerina es una escultura de alto relieve que pertenece a la Dinastía IV, reinado del faraón Micerino (2535-2504 a.C). Es un bloque de grauvaca, de tono gris verdoso, el cual se conserva en el museo de El Cairo. Dicho elemento se encontró en las excavaciones de G.Reisner en el Templo del Valle del conjunto funerario de Micerino en Guiza(1908-1910).

Esta obra representa la caracterización máxima del arte egipcio. La escultura hace referencia al faraón Micerino, junto a la diosa Hathor y la diosa del nomos de Kynópolis (perro negro). Podemos observar a simple vista que se muestra hieratismo en la escultura, por su rigidez, representando los hombros completamente rectos al igual que las caderas. Muestran la ley de frontalidad, ninguna parte de sus cuerpos está girada. Micerinos, que se encuentra en el centro, soportando la corona del Alto Egipcio, un faldellín plisado y una barba postiza. Nos enseña un leve movimiento ya que su pierna izquierda la tiene inclinada hacia adelante, dando un paso, sin embargo los brazos permanecen pegados a su cuerpo con los puños cerrados mostrando esa rigidez. Las figuras femeninas poseen un traje ajustado, cuerpo muy rígido al igual que sus rostros. Encima de ellas tienen un símbolo, los cuales representan el territorio al cual pertenecen. Conservan un canon de 18 puños proporcionados y con gran armonía.

La Tríada de Micerino es la representación de la pareja como gobernantes de los nomos de Egipto, mediante la tercera figura, la cual expresa la potencia de una autoridad que gobierna Egipto pero que va más allá de lo terrestre, de lo humano, que se extiende hacia la eternidad. En definitiva, esta obra es una obra de propaganda publicitaria, diseñada para ser colocada en un ámbito arquitectónico, donde expresa su máxima exaltación de su divinización.

Partenón

PARTENÓN

El Partenón se considera la mejor construcción arquitectónica del siglo V a.C, donde los atenienses reflejaron su desarrollo cultural. Sus creadores fueron Ictinos y Calícatres, dirigidos por Fídies. Su estilo es característico del arte griego clásico. Es un templo consagrado a la diosa Atenea, protectora de Atenas. Es uno de los ejemplos más significativos del orden dórico, aunque combina elementos de orden dórico y jónico por lo que el resultado es una nueva forma arquitectónica que podría llamarse ática. 

 

Análisis formal

Esta obra consta de una planta rectangular, de 69,5 metros de largo y 31 metros de ancho. Se trata de un templo de canon proporcionado, octástilo (8 columnas en los lados cortos) y el doble más uno en los laterales. También es períptero ya que contiene columnas en todo su perímetro. Y por último, es anfipróstilo (flanqueado por los dos pórticos).

Este monumento surge de una crepidoma de tres estereobatos los cuales sostienen el estilobato. La crepis, muestra una ligera inclinación de los lados hacia el centro, para dar el efecto óptico de ser más grande. Las columnas que rodean el templo son de orden dórico ya que, como podemos observar, éstas no tienen basa, su fuste formado por tambores superpuestos, se muestra robusto y decorado por estríasde arista viva. Arriba , encontramos el capitel, formado por el equino, y luego un ábaco rectangular donde descansa el arquitrabe. Ambos sin decoración. Las columnas también están inclinadas hacia el centro, se demuestra empíricamente con la distancia desigual que se guarda entre columnas. El entablamento está compuesto por tres partes: el arquitrabe, el friso y la cornisa. El arquitrabe no contiene ninguna decoración, es liso. El friso formado por una combinación de tríglifos ( hechos con estrías verticales) y metopas, las cuales muestran esculturas. Este conjunto lo remata una cornisa, la cual separa el entablamento y el frontón. 

 

El frontón triangular está rodeado de una cornisa, de modo que el tímpano queda para la decoración escultórica.

La parte interior del períptero, en la pronaos se observa que se establece el orden jónico-dórico, el cual tenia columnas sin basa, un fuste acanalado, su collarino con con el quino y el ábaco.

El edificio se divide en dos partes. En la parte inferior se encuentra dividida en dos salas, la naos, sala principal, donde se expone la figura de la diosa Atenea y el opistodomos donde guardaban las figuras de más importancia. El partenón era una pequeña sala rectangular donde se guardaba el tesoro del templo y el tesoro de la Liga de Delos. Tenía cuatro altas columnas jónicas que sostenían la cubierta.

Significado

La simbología de esta obra es muy variada, principalmente, como culto a la diosa Atenea. En los dos frontones mediante la escultura también podemos encontrar el significado que reproducían los temas del nacimiento de Atenea y el combate entre esta diosa y Poseidón.